清华大学美术学院副院长马赛:少即是多,传统元素不能滥用

2016-06-15  作者: 909 来源: 弘博网

导语:近年来,博物馆在文创方面与社会企业合作是当前盛行的一种方式,具体合作方式,各馆有所不同,但设计师们更希望以怎样的方式合作呢?本期博名家邀请清华大学美术学院副院长马赛教授,听他从设计师的角度表达,谈谈博物馆文创的设计思想、及生产销售。

人物名片

马赛,清华美术学院副院长,教授,硕士生导师。

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弘博网(以下简称弘):作为高校教师,您会在日常教学中刻意引导学生应用古典元素进行设计吗?是否会带领学生参与社会合作?

马 赛(以下简称马):清华大学美术学院的前身是中央工艺美术学院,1956年建院以来非常注重传统装饰与现代设计之间的传承与转换,装饰是学院重要的特色,围绕着衣食住行等所有与人们的生活密切相关的领域,几代教师经过不断探索与实践,形成了以传统文化为基础的现代设计教学体系和教学模式,也逐步确立了学院的风格。

从建国初期北京市的十大建筑,到改革开放时期的机场壁画,再到世纪之交的世纪坛浮雕,以及2008年北京奥运会开闭幕式中的“缶”等道具设计,无不体现出学院坚实的装饰教学的基础和深厚的传统文化底蕴。 学院的设计学科在全国名列前茅,其中仅工艺美术系就有漆艺、纤维艺术、玻璃、金属工艺、首饰等不同的专业,并配备设备一流的实验室。教学中,学生会经常从传统元素、民族元素中寻找设计灵感,也会充分利用实验室的条件动手制作其作品。

无论是教学还是科研,我们经常会涉及中国元素、传统元素。例如2008年展示设计专业的史习平教授和我带领学生设计开幕式的“缶”,无论是器型还是表面的装饰纹样,都是从青铜器中得到启发,我们还专门到上海博物馆去考察馆藏的青铜器,对青铜器有更多深入的研究。参观博物馆是我们很重要的课程,也是我们一贯的教学模式。

在教学中,我们有时会引入企业参与我们的课程。有的企业也会对课程给予支持,另外,许多企业是我院的实习基地,提供设备、空间和技术方面的支持。学生通过实践得到锻炼,他们对工艺的理解以及制作的能力得到了很大的提高。

产品设计:并非所有传统元素都能直接应用

弘:作为设计师,您认为博物馆文创设计应如何把传统文化与时尚相结合?

马:文创设计归根结底是在设计产品,一件产品在设计之初必须明确许多要素,例如使用者、使用环境等等,只有准确地掌握使用者的年龄、性别、民族、职业、兴趣、习惯等相关信息,设计才能做到有的放矢。因此,文创产品的设计应以传统文化以及博物馆的众多藏品为基础,以现代人们的生活方式、生活环境、审美品位等为研究内容,通过分析、提炼,最终将传统元素成功转换到现代人的生活中。

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博物馆最大的财富是藏品,这些藏品多是文物,是古人所用的产品,它适用于特定的时代和社会文化环境,随着社会环境的变化人们的生活方式及审美情趣也会发生变化。当今社会,人们追求简洁、精致的生活,博物馆中有些器物,如很多陶瓷用品,其简洁精美的器型,在当今人们的生活中依然具有非常高的使用价值和观赏价值,但多数器物已不能直接应用。

以玉为例,玉来源于大自然,是一种很好的材料,从古至今国人对玉情有独钟,给予了独特的情感,北京的奥运会奖牌也以其为设计元素,来彰显中国的文化特色,但这种材料如果不能赋予它一个符合现代人审美的形象,例如把它雕琢成弥勒佛的形象,即使雕工精湛,由于它与现代人生活情趣以及家居环境格格不入,因此雕得越多浪费就越多。

再如景泰蓝,这是一种很具中国特色的工艺,其图案细腻,色彩艳丽,在清代是宫廷中重要的装饰器物,但是由于景泰蓝的制作工艺复杂,在器物上装饰的面积过满,已不符合现代人的审美,因此景泰蓝的市场受到很大的局限,有些工厂因经营惨淡而倒闭。 但是,如果在“少即是多”的现代设计语境中,在文创产品上适度地少量的应用景泰蓝元素,反而能够更好地凸显景泰蓝独特的工艺和装饰特征,同时也能更好地适应现代人们的审美喜好。

传统元素独具特色,风格鲜明,但是由于人们的生活方式和生活环境发生了根本的变化,因此设计师首先还是要立足于当代人的生活,同时,也需要有深厚的文化积淀,要学会从传统的文化符号中提取、转化的能力,对传统符号进行适度的取舍和夸张处理,将某一领域的符号移植到另一个领域(例如将陶瓷的装饰纹样转换到服装等等),由于语境的变化,一些传统的元素焕发新生,变得时尚而富有魅力。

当今许多世界著名的设计师,无论是建筑、服装、陶瓷还是平面设计师,都在不断地向传统文化和世界其他民族文化学习,从中凝练、融合与创新,进而形成自己的风格,创作出引领时尚的作品。

弘:您觉得博物馆文创设计应该如何选择文化元素?

马:博物馆是一个国家和民族的文化汇聚地,古人为我们留下了丰富的文化瑰宝,它们不应该只静静地放在博物馆的站柜内,而应该通过各种途径让国人知晓并学习自己的文化,让外国游客了解他国的优秀文化,因此,文创产品是博物馆传播文化的重要的途径和手段。

文创产品的设计,需要从博物馆众多的藏品中挖掘学术价值高、艺术性强的藏品,通过各类衍生品进行推广。众所周知的台北故宫三大镇馆之宝,除了毛公鼎,其余的玉白菜和东坡肉石并不具有太高的文化价值,但是由于旅游宣传的原因,放大了它们的价值,成为了参观的重点,而其他的艺术精品却被人们所忽视,自台北故宫开展衍生品的设计与开发以来,很多精品得以通过各种衍生品的载体,融入老百姓的生活,广为人们所熟识,从中也不难看出衍生品在文化传播中的重要作用。

文化需要传承和发扬,设计师的作用是在当代与传统之间架起传承的桥梁。中国的优秀文化深藏于社会的各个层面,例如由于森严的等级制度,许多文化瑰宝被帝王将相所把持,而有些独具特色的民艺精粹也只能在民间传播,如今这些界限都已荡然无存,设计师应从当今社会共同的审美需求角度,去审视古人的文化遗产,从美学的角度和实用性的角度,独具慧眼地去发现有价值的东西,转换并应用到现代生活中,让传统文化在现代重生,产生新的价值。

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中国人有很强的文化认同感,一些独特的文化符号(例如书法、绘画、文玩等)非常容易唤醒人们的民族情感和个人情趣,在当代社会产生共鸣。古人留下的很多书画作品和工艺品在当今社会依然具有很高的观赏性和装饰性,设计师应充分了解这些文化原型的艺术特征和文化内涵,同时熟识当代的各种流行文化和人们的生活情趣,利用各种生产方式和最新的科技手段(如高仿印刷、3D扫描打印技术等)为这些传统的文化在当今社会找到新的载体,从而让文化得以不断传承,故文创产品除了实用性之外,也兼具着重要的文化宣传和教育作用。

销售合作:在利润分成上应尊重设计师

弘:在产品销售定价环节,您希望以什么样的方式与博物馆合作。

马:国内由于设计教育起步较晚,社会对设计的认识还非常有限,具体体现在设计作品的价值认同上,当前国内普遍采用的是支付设计费的方式。但是这种方式往往以最终产品的价值来衡量,而且是在产品未生产之前确定的,一件作品由于自身的选材和制作工艺比较简单,市场售价较低,例如一张书签,由于价值低,能够支付的设计费也非常有限,但是很有可能这张书签非常受人欢迎,销量非常大,而且持续销售很多年,由此产生的利润非常大。可见当初有限的设计费就大大地低估了设计的价值,因此,对于设计师来说,最好的合作方式是从每件产品的利润分成,这是最为科学和合理的模式。设计师可以根据销量知道自己作品的市场认可度,销量越好其成就感越高,越能调动他们的积极性。总之,设计师的创意应得到充分的理解和尊重,其价值不能简单地等同于产品的价格。

版权保护:创意一转眼就可能成为别人的

弘:作为设计师,您如何看待知识产权保护?

马:当前创意产业处于一个最好的时期,政府通过各种政策在鼓励和激发人们的创意,实现万众创新,通过创意、创新带动经济的增长。但是如果仅仅靠政策支持而没有法律的保护,会严重制约学校师生或社会企业等的创新热情,这是根本性的问题,也是文创产业发展的瓶颈所在。

创意是脑力劳动,只是一个想法或概念,如同一层窗户纸,一旦提交出来就好比窗户纸被捅破,一转眼就会变成别人的东西。但是目前国内知识产权保护的力度比较弱,有很多抄袭侵权事件发生。我院的学生毕业展,学生的作品一经展出,其创意就被抄袭。我们需要从法律着手,利用法律制度,保证设计师设计成果的所有权,媒体要在社会舆论上做好引导作用,营造适合创意发展的社会氛围。

前文所说利润分成的模式在国外比较通行,也是由于国外在法律方面比较健全,设计师可以直接进入企业的财务系统,查看生产商、博物馆等合作单位的产品销量,设计师个人的利益得到充分的保护,因此人们的创意积极性非常高,类似曲别针、胸针之类的小物件,成本很低,设计师在每件产品上的可得利润很有限,但知识产权的保护能够让其长期受益,并且获益匪浅。

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